How do young, middle aged and elderly people live in their sometimes challenging worlds? How do we grow up ? Peret shows us his daughter, himself and his father in a gradual movement from active exploration to open-eyed questioning to stoic consideration. This is a progression that happens in all aspects of life and one that almost everyone can relate to. And here we touch on something that is equally central to Peret’s series: universality. These are not paintings for a special sect, or those with specific understanding. These are paintings for anyone who has navigated the landscapes of life, and sometimes found himself lost, but always finds himself found again. In Facing Deadlines, Peret strikes at the heart of the human experience.

In Playing with To Nhi, two small figures, Peret’s daughter Kim-Ly and her friend To Nhi, explore a neon grid-like scene. The girls do not interact with each other; their togetherness is only a product of their proximity. Such is much of childhood, spent developing alongside friends, but not always with them. ToNhi, left, seems bolder than Kim-Ly. To Nhi climbs on the grid, interacting with it with her whole body. She is aggressive. Kim-Ly holds onto it for reassurance, looking intently at the orange mass in her hand, perhaps contemplating the heft of the challenge before her. She is careful. In this painting, it is the world that overshadows the person. Culture dominates and nature navigates. Similar forces are at work in Playing Alone, where Kim-Ly cautiously climbs a net, also painted in bright. Playing with Colors shows us an even more assertive child, who holds in front of her face a magician’s stick in rainbow, but looks at us intently. Kim-Ly has entered into a more ordered landscape and found herself a toy or a weapon or a friend. It is something in the big, scary world that she can control. Though in slightly different places along the line of childhood development, each of these paintings addresses the fundamental challenges and contrasts of growing up and ultimately of living. How much structure and how much freedom ? How to handle both, together and separate ? How can we, and how do we, interact with our daily environments? And who do we become as we confront that test ? These questions are fully expressed in the paint itself.

Peret uses a wide range of painting materials in his entire series. Oil, varnish, acrylic, neon, epoxy and pastel commonly grace just one painting and Peret frequently uses them for different purposes. It is this communication of contrasts, here expressed materially though also in each painting expressed conceptually, that inspires the artist’s passion to paint. In Playing with To Nhi, Peret mixes subdued oil paints, at times thickly smeared on Facing deadlines. The painting and the notion have much in common. The idea of facing deadlines implies a boldness and a readiness that a child does not have; it is something that is achieved after many years of life experience. In the self-portrait Facing Deadlines, the artist has largely ignored the neon worlds that characterized Playing with To Nhi, Playing Alone, and Playing with Colors. Here, Peret barely alludes to those neon worlds, indicating that he has left them behind, has come to terms with them or perhaps even has conquered them in his maturity. Having done that, he now looks inward at himself and outward at us, no longer distracted by the complexities that perplex Kim-Ly. He is freed for deeper questioning. He does the questioning with his gaze, drawing the viewer into his world. The audience and the artist engage each other simultaneously through that intense gaze, which is intensified even more by the fact that the artist is holding his own eye open. He does not want to miss anything or let anything pass by. This moment – the moment where he faces deadlines – is too important.

​Facing Deadlines is an obvious reference to The Desperate Man by French realist painter and pioneer of the modern movement Gustave Courbet, whom Peret cites as an important influence. Courbet inspires Peret in his bold style and in his frank consideration of daily life. Peret’s paintings take on a more fantastical theme, but they are very much grounded in the artist’s life ; all of the characters in the paintings are close family and friends of the artists and all of the scenes come from direct personal experience. While less fraught and more considering, Peret’s painting takes from and riffs on much in Courbet’s famous work. As the first controversial realist painter, Courbet elevated painting as a medium to a new level and gave it a new purpose. Those things that are fleeting, that are ephemeral, those are the things that a painter can be proud to preserve in his work. Peret and Courbet are looking hard at those things, contemplating them and painting them. Both artists open their eyes wide and use painting to bring to the fore those elements of life that we often overlook.

My Father in his Room takes us further along in generational progression. The artist's father, nearing the end of his life, has let some of the neon world back in. It is quite ordered and calm andhe seems unconcerned by it. He does not need to thrust it away, as Peret does in Facing Deadlines, but lives with it in harmony. By his age, he is at home in the world he has made for himself. There is no conflict here. This comfort can be read in his facial expression too, which is quiet and seems full of secret wisdom.

The medium here is also intriguing and the most striking aspect of the work. Epoxy, unusual on a plane completely dominated by oil and acrylic, spills onto the father’s face. There is suddenly a new quality that does not exist in any of the other paintings ; it sets this one apart and above. Even more so than the neon, epoxy boldly asserts its own synthetic quality. Its sheen and texture are so arresting that they immediately command the viewer’s attention. And so through the epoxy, we look closer at the man in the work. In the form of the epoxy, death and fate are encroaching on his face and his life. Though he has addressed the challenge of the neon landscape, the epoxy represents a new problem and reminds us that at every stage of life there are new things to consider, and to navigate.
This is the ultimate marriage of the organic and the inorganic. Contrast, conflict and resolution stand at the fore of this work and emphasize their communication more than in any other work in this series. The softly painted face gazes out calmly and stoically while an emphatically inorganic material slowly encroaches on that peace. They clash, harmoniously, the canvas with neon acrylic that drips thinly or stays obediently within its pencil line. The paints themselve are communicating in contrast, expressing the very same things as the forms of the two young girls and their constructed environment.

​FEELING THE MEDIUM
Peret juggles contrasting concepts and contrasting forms in his works. It is this that excites him the most. Hand and machine, concrete and abstract, architecture of an environment and architecture of a life, organic and synthetic, artist and viewer. Oil and acrylic, lines and curves, shiny and matte. All of these exist in the same series, on the same canvas and from the same hand. They are constantly in conversation.
Georges Braque is another important influence for Peret in this series. Braque was famous for developing a new visual language ; he and Picasso changed painting forever when they invented cubism. They experimented with paintings where the form became the content, indeed where the form often trumped the concept. They felt the medium.
The medium is the inspiration ; it is the reason that these works by Peret exist. The subject is the excuse for a painting to happen, and the idea follows the brushstroke. The artist is concerned with the paint and the canvas, obsessed with its naked poetry, in fact. But as a viewer, we can look beyond the medium, feel it and then feel what comes after too.

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LE MEDIUM, VECTEUR SENSORIEL

LE PEINTRE PERET
“ La peinture est faite de contrastes”, déclare Bertrand Peret. C’est un aspect qui a depuis longtemps été exploré par les peintres avant-gardistes du monde entier, de Gustave Courbet à Jean-Michel Basquiat. Peret prend humblement place à côté de ceux qui lui ont inspiré cette réflexion, dont l’écho résonne puissamment dans sa dernière série. Avec des personnages doux et des paysages rudes qui peuplent et colorent les toiles, le contraste nous frappe immédiatement. Ce sont cependant des contrastes plus profonds, par delà et derrière la peinture, qui nous interpelleront en définitive et continueront de nous hanter longtemps après que nous aurons cessé de regarder.
Un des contrastes cachés présent dans l’oeuvre de Peret est un contraste qui prend racine au plus profond de sa propre vie. Ces deux piliers cachés du succès sont la passion sans frein et le travail acharné. Les émotions de l’artiste jaillissent de lui en un flux direct et cependant maîtrisé pour créer des peintures qui exaltent à la fois la vertus des sentiment bruts de l’homme et celle d’en être le maître. Il puise son inspiration dans ce qui l’entoure, ce qui donne à son travail noblesse et dynamisme, et l’ancre aussi dans le quotidien de l’expérience humaine.
Dans Facing Deadlines, Peret dessine un monde technicisé, puis y place des personnages vulnérables. Les interactions entre les personnages et leur environnement soulèvent des questions fondamentales sur la juxtaposition entre nature et culture, et nous interrogent sur notre place au sein de ce contraste gigantesque. Mais tandis que les deux types de formes - humaine et abstraite - interagissent par contraste, il n’y a pas pour autant d’opposition. Ainsi Peret souligne-t-il nos différences, mais il nous donne in fine l’espoir d’une harmonie.

Peret expérimente depuis longtemps différents médiums, mettant son amour pour la musique électronique au service d'un art total. Peintre dans sa jeunesse, Peret est ensuite allé vers les installations et les expérimentations et a laissé de côté sa peinture. Elle se résumait à des photos et à des souvenirs, et ne faisait plus vraiment partie de sa vie. Quelque chose s'est passé qui  a ramené Peret à la peinture et a rallumé son amour pour l'ancien médium. Après avoir quitté la France pour le Vietnam, après la naissance de sa fille, et une remise en question de sa vie à un âge plus mûr, Peret est retourné à ses racines, et à celles de l'art moderne, la peinture. Ce retour s'est accompli avec tant de passion pour son travail que Peret insiste sur le fait que c'est le médium lui-même qui inspire son travail. Une idée, une forme, un concept, tout est prétexte à peinture. Il ressent profondément le médium. Et pour cette série, il a voulu et a eu besoin d'apporter de nouveaux éléments dans son oeuvre, tellement embrasée par l'action sur la toile. Ce défi se donne à voir dans Facing Deadlines.

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​FACING DEADLINES
Afin de voir ces thèmes à l'oeuvre, nous observerons de plus près certaines toiles de cette série, en particulier : Playing With To Nhi, My Father in his Room, et Facing Deadlines. Chacun de ces tableaux présente un personnage différent affrontant un monde différent, chacun à sa façon. Présente dans chacune de ces toiles, également, cette communication des contrastes à laquelle Peret attache tant de prix. La documentation d'un clash harmonieux est essentielle dans cette série. Ces trois peintures, aussi, illustrent une progression générationnelle. Comment des êtres jeunes, mûrs et âgés vivent-ils dans des mondes qui parfois les provoquent ? Comment évoluons-nous dans la vie ? Peret nous montre sa fille, lui-même et son père dans un mouvement graduel qui va d'une exploration active à un questionnement, l'oeil grand ouvert, et à une méditation stoïque.  C'est une progression qui s'accomplit dans tous les aspects de la vie, et qui concerne de près quasiment tout le monde. Et c'est ici que nous touchons à quelque chose qui est également au centre de la série de Peret, l'universalité. Ce ne sont pas là des peintures pour un groupe particulier, ou pour ceux dont l'entendement est particulier. Ce sont des peintures pour quiconque a parcouru les paysages de la vie, s'est perdu quelquefois, mais s'est toujours retrouvé. Dans Facing Deadlines, Peret frappe au coeur de l'expérience humaine.​
Dans Playing with To Nhi, deux petites silhouettes, Kim-Ly, la fille de Peret, et son amie To Nhi explorent un espace, entrelacs de néons. Les fillettes ne jouent pas ensemble ; leur lien n’est que le produit de leur proximité. Il en est le plus souvent ainsi, dans l’enfance, qui se passe à grandir à côté, mais pas toujours avec des amis. To Nhi, à gauche, paraît plus hardie que Kim-Ly. To Nhi grimpe sur la grille, interagit de tout son corps avec elle. Elle est agressive. Kim-Ly s’y tient par sécurité, les yeux rivés sur la masse orange, dans sa main, pesant peut-être le poids du défi dressé devant elle. Elle est prudente. Dans ce tableau, c’est le monde qui eclipse l’individu. La culture domine, la nature louvoie. Des forces similaires sont à l’oeuvre dans Playing Alone, où Kim-Ly grimpe prudemment à un filet peint lui aussi de couleurs vives. Playing with Colours nous montre une enfant encore plus assurée, qui tient devant elle une colonne multicolore de magicien, mais nous regarde droit dans les yeux. Kim-Ly est entrée dans un monde plus ordonné, et s’est trouvé un jouet, ou une arme, ou un ami. C’est quelque chose qu’elle peut contrôler dans le vaste monde terrifiant. Bien que situés à des moments légèrement différents dans le développement de l’enfant, chacun de ces tableaux s’adresse aux défis et aux contrastes fondamentaux de l’être en développement, et in fine de la vie. Quelle est la part de la structure ? De la liberté ? Comment appréhender les deux, ensemble et séparément ? Comment pouvons-nous et faisons-nous pour interagir avec nos environnements quotidiens ? Et qui devenons-nous, face à cette expérience ? Ces questions s’expriment pleinement dans la peinture elle-même.
Peret utilise une vaste gamme de matériaux dans toute sa série. Huile, vernis, acrylique, néon, époxy et pastel se conjuguent souvent dans chaque peinture, et Peret s’en sert fréquemment à différentes fins. C’est cette communication des contrastes, exprimée ici matériellement, bien qu’aussi conceptuellement dans chaque peinture qui inspire à l’artiste sa passion de la peinture.​​
Dans Playing with To Nhi, Peret mixe des peintures à l’huile aux tons assourdis, parfois appliquées en couche épaisse sur la toile, à de l’acrylique fluo qui goutte finement ou reste sagement dans la ligne du trait. Les peintures elles-même communiquent de façon contrastée, et expriment les mêmes choses que les formes des deux fillettes et de leur environnement structuré.

Facing Deadlines. La peinture et la notion ont bien des choses en commun. L’idée de faire face à une échéance implique une intrépidité et une détermination que l’enfant ne possède pas ; c’est quelque chose qu’on atteint après beaucoup d’anées d’expérience de la vie. Dans l’auto-portrait Facing Deadlines, l’artiste s’est fortement affranchi des mondes de néons qui caractérisaient Playing Alone, Playing with To Nhi, et Playing with colours. C’est à peine si Peret fait allusion à ces mondes de néons, signifiant qu’il les a laissés derrière lui, les a apprivoisés, ou peut-être même les a conquis dans sa maturité. Cela fait, il peut porter sur lui-même un regard introspectif et nous regarder en même temps. Il n’est plus distrait par les complexités qui intriguent Kim-Ly. Il est libéré d’un questionnement plus profond. C’est par son regard qu’il questionne, attirant dans son monde celui qui le regarde. Le spectateur et l’artiste se livrent simultanément l’un à l’autre, part l’intensité de ce regard qui est d’autant plus grande que l’artiste tient lui-même son oeil ouvert. Il ne veut rien manquer, rien laisser passer. Ce moment, le moment où il est face à ses échéances, est trop important.
Facing Deadlines est une référence évidente à Le Désespéré du peintre réaliste français, pionnier du mouvement moderne, Gustave  Courbet, que Peret cite comme une influence majeure.
Courbet inspire Peret par la hardiesse de son style et son regard sans artifice sur la vie quotidienne. Les tableaux de Peret expriment un thème plus fantastique, mais ils puisent leurs racines dans la vie de l’artiste; tous les personnages des tableaux sont des proches parents ou des amis, et toutes les scènes sont empruntées à l’expérience directe personnelle de l’artiste. Tout en étant moins chargée et plus intériorisée, la peinture de Peret se nourrit et résonne de l’oeuvre célèbre de Courbet. Premier peintre réaliste controversé, Courbet a haussé la peinture comme médium à un niveau plus élevé, et il lui a donné un nouvel objectif. Ces choses à peine perceptibles, éphémères, ce sont des choses qu’un peintre peut se sentir fier de saisir dans son oeuvre. Peret et Courbet scrutent ces choses, les contemplent et les peignent. Les deux artistes ouvrent grand les yeux et se servent de la peinture pour mettre en avant ces éléments de vie que souvent nous ne voyons pas.

My father in his room nous entraîne plus loin dans la progression générationnelle. Le père de l’artiste qui approche du terme de sa vie a laissé un peu du monde des néons y pénétrer. Tout est calme et ordonné, et il ne semble pas concerné par ce monde-là. Il n’a pas besoin de le repousser, comme le fait Peret dans Facing Deadlines,  mais vit avec lui en harmonie. A son âge, il est à l’aise dans le monde qu’il s’est construit. Il n’y a pas de conflit ici. Ce bien-être se lit dans l’expression de son visage, aussi, qui est serein et semble plein de sagesse secrète.

Le médium ici est également intriguant et c’est l’aspect le plus frappant de l’oeuvre. De l’époxy, inhabituelle sur une surface totalement dominée par l’huile et l’acrylique, coule sur le visage du père. C’est tout-à-coup une dimension nouvelle qui n’existe dans aucun autre tableau ; cela place cette oeuvre à part et au-dessus des autres. Encore plus même que le néon, l’époxy affirme hardiment sa propre qualité synthétique. Son éclat et sa texture sont si saisissants qu’ils exigent l’attention immédiate du spectateur. Et ainsi, par le prisme de l’époxy, regardons-nous plus attentivement l’homme dans le tableau. Sous l’époxy, la mort et la destinée sont gravées dans son visage et dans sa vie. Bien qu’il ait défié le monde des néons, l’époxie convoque un nouveau problème et nous rappelle qu’à chaque étape de la vie, il y a de nouvelles choses à considérer et à franchir.​​
C’est l’union ultime de l’organique et du non organique. Contrastes, conflits, leurs résolutions, sont au premier plan dans ce ableau, et exaltent leur dialogue étroit plus que dans toute autre oeuvre de cette série. Le visage, peint avec douceur, regarde sereinement et stoïquement tandis qu’un matériau spectaculairement non organique grignote lentement cette paix. Ils s’entrechoquent harmonieusement.

​LE MEDIUM, VECTOR SENSORIEL​
Peret jongle avec des concepts et des formes en opposition dans ses oeuvres. C’est ce qui le passionne le plus. La main et la machine, le concret et l’abstrait, l’architecture d’un environnement et l’architecture d’une vie, l’organique et le synthétique, l’artiste et le spectateur. L’huile et l’acrylique, des lignes droites et des courbes, le brillant et le mat. Tous ces éléments coexistent dans la même série, sur la même toile, nés de la même main. Ils dialoguent constamment ensemble.​
Georges Braque a exercé aussi une grande influence sur Peret dans cette série. Braque a été célèbre pour avoir développé un nouveau langage visuel; lui et Picasso ont à jamais changé la peinture quand ils ont inventé le cubisme. Leurs tableaux étaient des lieux d’expérience où la forme devenait l’essentiel, où en réalité la forme surpassait le concept. Ils ressentaient le médium.​
Le médium, c’est l’inspiration, c’est la raison même de l’existence des oeuvres de Peret. Le sujet sert d’excuse à la peinture pour qu’elle existe, et l’idée suit le coup du pinceau. L’artiste se concentre sur la peinture et la toile, obsédé, en fait, par sa poésie virginale. Mais comme spectateurs, nous pouvons regarder par delà le médium, le ressentir, puis ressentir alors ce qu’il cache.

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